« Tout est connecté » : la collectionneuse et conservatrice Raquel Cayre explique pourquoi il ne sert à rien de faire la différence entre l'art et le design


The Tomorrowists est une série d'entretiens en quatre parties avec de jeunes innovateurs du monde de l'art qui espèrent bouleverser l'industrie de l'art avec des initiatives et des projets de pointe.

La conservatrice, collectionneuse et conseillère Raquel Cayre, 29 ans, a longtemps considéré les mondes de l'art et du design comme une seule et même sphère – deux sphères dont les différences sont superficielles, liées par le fait qu'elles partagent le pouvoir de remuer l'âme à travers les yeux de le spectateur.

Dans les années qui ont suivi le lancement de son compte Instagram @ettoresotsass – qui a commencé comme une lettre d'amour à Sotsass, le fondateur du mouvement Memphis Milano, dont Cayre est venue se recueillir – la jeune passionnée de design s'est taillé une place à part dans l'industrie, attirant l'attention de poids lourds du design comme Kelly Wearstler et la veuve de Sotsass, Barbara Radice.

Au-delà de sa collection personnelle et de sa présence sur les réseaux sociaux, Cayre développe également une série de projets visant à offrir au public de nouvelles façons d'expérimenter le design. Pour son exposition de design d'un mois "Raquel's Dream House", elle a repris une maison de ville de New York pour créer un affichage distinctement domestique; dans « Chairs Beyond Right & Wrong », elle s'est associée à R & Company pour présenter 50 chaises de designers célèbres du monde entier, encourageant le public à les considérer davantage comme de l'art que comme un design fonctionnel.

Le dernier effort de Cayre, Open Source, est une plate-forme en ligne qui présente le travail d'un artiste ou d'un designer individuel qui est ensuite vendu via sa boutique en ligne.

La semaine dernière, nous avons expliqué à Cayre comment elle est tombée amoureuse de l'art et du design, pourquoi elle aime tant Sotsass et à quoi pourrait ressembler le monde du design dans 10 ans.

Parlez-moi un peu de votre parcours. Comment êtes-vous tombé amoureux de l'art et du design ?

Beaucoup de voyages, de livres et de musées, et des contacts avec les bonnes personnes dans le domaine. Je suppose que je suis un autodidacte. Je m'inspire d'expériences directes. Quand j'étais encore étudiant, j'ai pris une année sabbatique pour voyager. Un voyage à Milan et boum ! Tout a changé.

Je pense qu'il est juste de dire que vous êtes l'un des plus jeunes collectionneurs et appréciateurs d'Ettore Sottsass et un expert du mouvement Memphis Milano en général. Comment vous êtes-vous intéressé à cette période et à ce travail ?

Je suis tombé à Memphis Milano par hasard, et avec un peu de chance. J'ai d'abord rencontré les premières œuvres d'Ettore (1955-1969) à Milan et j'ai été attiré par son utilisation de matériaux naturels : bois de rose, noyer, bronze et terre cuite. Avec Memphis, ce sont les plastiques et les stratifiés aux couleurs vives et aux motifs qui m'ont attiré. J'ai acheté tous les livres épuisés sur Sottsass que j'ai pu trouver et je me suis vraiment emballé. Je suis tombé amoureux de son travail et de son processus de conception dans son ensemble. Sa production ne se limite pas à Memphis… elle s'étend vers d'autres disciplines.

Qu'est-ce qui, à votre avis, distingue un bon design d'un bon design ?

László Moholy-Nagy décrit le projet de design comme « tout voir dans les relations ». Le grand design voit les relations disparaître.

Photo avec l'aimable autorisation de Raquel Cayre.

Première acquisition de Cayre, une œuvre de Cory Arcangel. Photo avec l'aimable autorisation de Raquel Cayre.

Concentrons-nous un peu plus précisément sur la façon dont vous avez commencé à collectionner. Quelle est la première pièce que vous avez obtenue et quelle est l'histoire derrière la façon dont vous en êtes venu à l'acquérir ?

En 2014, je suis tombé sur l'exposition « tl; dr » de Cory Arcangel (cette installation sur tapis rouge !) à la galerie Team, où il présentait des œuvres de sa série « Lakes ». En tant que sculpture, ils consistent en des téléviseurs à écran plat tournés sur le côté, affichant des images avec l'applet Java «lac» superposé. Je savais que je voulais vivre avec le lac de Larry David et Skrillex – deux mondes opposés entrant en collision, ce que Cory activait également avec le matériel et les graphismes datés de l'œuvre.

Comment cette acquisition initiale est-elle devenue une collection ?

Tout est connecté. Une collection consiste à rendre ces connexions visibles. Comme le design, il s'agit de voir les relations. Je réexamine toujours les méthodes traditionnelles de présentation, de visualisation et d'expérience de l'art autant que son mode de présentation correspondant.

Quelles leçons avez-vous apprises en rassemblant tous ces éléments ?

J'ai beaucoup pensé à la galerie expérimentale de Peggy Guggenheim, Art of the Century. Elle est une grande inspiration pour quelqu'un qui veut se renseigner sur les règles de la collection en les abolissant. Elle a traduit l'acte de collectionner en un mode de vie.

Comment aimez-vous exposer votre collection ? Avez-vous des conseils de décoration pour les collectionneurs de design en herbe ou les jeunes amateurs de design ?

C'est toujours en train de changer. Pour citer quelques lignes de Sottsass : « Ces objets, qui sont assis les uns à côté des autres et autour des personnes, influencent non seulement les conditions physiques mais aussi les émotions… Ils peuvent toucher les nerfs, le sang, les muscles, les yeux et les humeurs de leurs observateurs. … Il n'y a pas de différence particulière entre (l'art) et le design. Ce sont deux étapes différentes de l'invention.

La collectionneuse d'art Peggy Guggenheim pose avec des peintures au Museum of Modern Art de New York, le 22 octobre 1942. (AP Photo)

La collectionneuse d'art Peggy Guggenheim pose avec des peintures au Museum of Modern Art de New York, le 22 octobre 1942. Photo publiée avec l'aimable autorisation de Getty Images.

Il semble que ces dernières années, le design soit devenu un art à part entière. Il y a aussi beaucoup de croisements entre les deux domaines, avec de nombreuses nouvelles galeries, foires d'art et boutiques exposant art et design côte à côte. Pensez-vous que cela deviendra la norme avec le temps ?

Ce n'est vraiment pas une idée nouvelle. Depuis le début du XXe siècle, nous réfléchissons aux pratiques artistiques interdisciplinaires et aux musées sans murs. La planéité de la peinture a toujours été liée à la planéité des pages, des affiches et à l'aplatissement de différents médiums et disciplines, comme la planéité d'une interface. Des liens se tissent entre photographie et typographie ou illustration et scénographie, entre objets de décoration et poème. Tout est connecté.

Ce qui a peut-être changé, c'est le modèle pour rendre ces relations plus équitables, plus commerciales. Au lieu d'un musée sans murs, nous obtenons une boutique de musée sans murs. L'interface n'est pas seulement une question de reproduction, mais où le goût et la subjectivité sont construits. Elle apporte une équivalence au rapport entre production et réception. Nous sont le musée.

À votre avis, comment devrait nous engageons avec le design pour essayer de le voir d'une manière différente ou plus significative ?

Je commence toujours par poser la question : est-ce productif ?

Sur quoi vous concentrez-vous en ce moment ?

En ce moment, je travaille sur Open Source, une initiative en ligne pour présenter des œuvres d'artistes et de designers individuels sur mon site Web. Les œuvres sont vendues via la boutique en ligne du site Web et se concentrent sur un artiste à la fois. Il ne propose pas de repenser le e-commerce ou le format de l'exposition, mais, à la manière d'un laboratoire ou d'un atelier, de tester et d'itérer au fur et à mesure de son évolution. À l'heure actuelle, il n'y a pas de spectacles, de programmes, de saisons ou d'espace (formalisés). Je présente ensuite des œuvres de Nikako Kanamoto et Jasmine Gutbrod.

Selon vous, à quoi ressemblera le monde du design dans 10 ans ?

Nature. Le design est toujours associé à la relation et au contexte. Comme la musique, il s'agit de produire de l'espace. Le design thinking trafique l'expérience et se reconstitue comme un acte d'être et de voir dans le monde.

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