Le travail de Tariq Dixon incite les designers à en savoir plus sur toute l'étendue de l'histoire du design


Nos Core77 Design Awards sont toujours dirigés par des experts dans leur domaine avec des histoires fascinantes sur la façon dont ils sont arrivés là – c'est pourquoi nous aimons mieux les connaître lors d'entretiens que nous partageons avec notre public Core77. En 2021, nous sommes fiers d'avoir un certain nombre de juges qui changent activement l'industrie telle que nous la connaissons, y compris tson année, le capitaine du jury du mobilier et de l'éclairage, Tariq Dixon.

Tariq Dixon, co-fondateur de TRNK NYC (Crédit: Ellliott Jerome Brown Jr.)

Tariq Dixon est le co-fondateur de TRNK NYC, une marque de meubles en ligne organisée qui comprend plus de 50 designers ainsi qu'une collection maison conçue par Dixon. Débutant sa carrière dans la finance chez Lehman Brothers en 2008, la même année où la société d'investissement s'est effondrée, Dixon a rapidement perdu ses illusions à l'idée d'une implication à Wall Street. Il s'est ensuite tourné vers la mode en tant qu'acheteur pour hommes chez Gilt Groupe et Armani. Pendant ce temps, sa passion personnelle pour la conception de meubles l'a amené à se lancer dans un projet de conservation avec son partenaire commercial. Comme Dixon se souvient des débuts de TRNK, «nous voyagions à travers les États, faisions du shopping vintage et des marchés aux puces, puis nous avons acquis un surplus de produit. Nous devions nous débarrasser de ces produits, nous avons donc fini par le revendre sur marchés vintage, et cela a finalement évolué vers ce que nous faisons aujourd'hui. " Ce qui a commencé comme un exercice exploratoire né d'un amour du design a contribué à épanouir l'idée de se concentrer à plein temps sur l'ameublement de la maison.

Une grande partie du travail récent de Dixon au sein de TRNK reflète sa conviction que les concepteurs ont la responsabilité d'explorer comment les préjugés peuvent être soutenus par des conventions de conception, même (ou peut-être particulièrement) esthétiques. Il a aidé à organiser deux récentes expositions d'art et de design explorant les thèmes de la race et de l'identité, et le désir d'aller au-delà des concepts simplistes de diversité et d'inclusion pour quelque chose de beaucoup plus évocateur et tridimensionnel. Le salon de la photographie Mine ouvert en juin 2020 et a été organisé au profit du Ali Forney Center, un centre communautaire axé sur l'aide aux jeunes LGBT en situation d'itinérance – comme décrit dans la déclaration de l'exposition, Mine a présenté «un échantillon représentatif d'artistes de couleur queer qui tirent parti de la photographie de portrait pour explorer l'identité au-delà de la visibilité». La dernière exposition virtuelle de TRNK à ouvrir vers la fin de 2020 était Prouvé, qui cherchait à explorer les aspects coloniaux de l'histoire du design traditionnel et du modernisme.

Nous avons récemment discuté avec Dixon d'histoires de conception largement inconnues et de la façon dont TRNK espère servir d'exemple de la façon dont les pipelines peuvent être conçus pour accueillir encore plus de designers noirs et bruns émergents dans l'industrie du design de meubles.

Comment avez-vous commencé à collectionner des meubles vintage par TRNK pour créer vos propres collections?

Notre première expérience de commerce électronique était et est toujours en partie cette plate-forme de conservation multimarque, nous travaillons donc avec environ 50 marques différentes du monde entier. Et nous sélectionnons nos produits préférés et leurs collections pour les mettre en valeur sur le site Web, mais nous identifions quelques vides sur le marché. Au départ, nous l'avons vu dans les sièges rembourrés; nous recherchions un look particulier à un prix particulier et nous ne pouvions pas le trouver, nous avons donc décidé de le concevoir et de le développer nous-mêmes.

Et c'est souvent ainsi que la collection TRNK évolue grâce à la résolution de problèmes. Par exemple, notre deuxième collection pour TRNK, qui était la série Arc et Angle, essayait vraiment de résoudre le besoin d'une solution d'assise polyvalente et conviviale pour un petit espace. Avec notre série plus modulaire, nous avons eu l'impression que beaucoup de sièges modulaires sur le marché étaient surdimensionnés. Encore une fois, nous l'avons réduit à quelque chose d'un peu plus petit et en affinant certains détails. Donc, pour un produit de collection TRNK, c'est souvent en quelque sorte le lien du processus de conception – essayer de résoudre un problème particulier pour nos clients ou sentir qu'il y a un vide sur le marché que nous pouvons identifier.

Canapé par TRNK NYC

Comment l'année écoulée a-t-elle affecté votre vision de votre entreprise et de votre processus de conception?

Cette année a certainement été inhabituelle et nous a simplement obligés à adopter la technologie d'une nouvelle manière que nous n'aurions pas envisagée auparavant. Même avoir à gérer pratiquement une grande partie du processus de conception et de développement de produits était quelque chose de très nouveau pour nous; nous avons dû adopter les rendus d'une manière que nous n'avions pas auparavant. Auparavant, nous n'utilisions pas de rendus pour les images de style de vie, mais nous devions le faire à cause de la pandémie. Donc, tout cela a ses avantages et ses inconvénients, mais une chose que nous avons réalisé est que nous pouvons mettre des produits sur le marché plus rapidement ou au moins tester et valider les concepts avec notre public plus rapidement en utilisant la technologie. Cela nous permet donc certainement d'élargir la portée de ce que nous sommes en mesure de faire et de minimiser la responsabilité associée à la prise de risques. L'attitude du consommateur change également. Il y a plus de volonté d'acheter des articles coûteux en ligne, et donc, le rôle du numérique est évidemment de plus en plus grand et de plus en plus important.

Malgré les défis, c'est passionnant que nous puissions prendre plus de risques et essayer des concepts plus rapidement. Cela nous a également permis d'élargir notre vivier de talents et la manière dont nous travaillons avec les designers. Il n'y a pas tellement d'exigence pour le concepteur d'être local. Par exemple, je travaille en fait très activement avec un designer à Chicago sur de nouveaux produits de la collection TRNK et je n'aurais même pas pensé auparavant parce que je veux généralement que la personne travaille côte à côte avec moi. Mais j'ai appris une nouvelle façon de collaborer qui élargit les personnes avec lesquelles nous pouvons travailler.

Entre TRNK et les expositions que vous avez organisées comme «Mien», votre travail à mes yeux élargit vraiment la définition non seulement de ce qu'un designer peut faire, mais aussi de l'impact qu'il peut avoir. Comment définiriez-vous ce que vous essayez de faire avec TRNK et l'impact global que vous essayez d'avoir?

Pour moi, l'impulsion, la motivation pour démarrer l'entreprise était vraiment de développer cette nouvelle appréciation du design et de la façon dont le design était si formateur dans beaucoup de mes souvenirs et expériences les plus chers. Qu'il s'agisse d'interactions avec les amis et la famille à la maison ou simplement de se réveiller et de développer des rituels matinaux; Je suis également très introverti et je passe beaucoup de temps à la maison.

Le rôle que jouent ces décisions de conception dans la formation de ces expériences est souvent négligé. Un grand nombre de ces décisions de conception sont en quelque sorte prises pour nous. Et nous ne comprenons pas pleinement leur impact, nous ne pouvons que les apprécier implicitement. J'ai donc vu une opportunité avec TRNK de mettre davantage en avant ce rôle de conception, et ce sont quelques-unes des conversations que nous avons essayé de lancer. Comme aider nos clients à devenir plus conscients et conscients des implications de leurs choix de consommation de conception.

Alors, vous regardez certaines des expositions que nous avons organisées, comme Prouvé, et cela a été motivé par le fait que je pensais qu'il y avait une plus grande opportunité pour le monde du design d'interroger non seulement les implications de la diversité et de l'inclusion sur le lieu de travail, mais aussi les qualités performatives des œuvres et la manière dont les mêmes systèmes infiltrent le produit final. Je pensais donc que certaines des lentilles que nous essayions d'appliquer à la culture du milieu de travail peuvent également s'appliquer à la façon dont nous considérons le travail réel que nous produisons nous-mêmes. L'une des omissions les plus flagrantes que j'ai vues (dans l'histoire du design) était la contribution des créateurs et artistes africains et autochtones au langage visuel occidental contemporain – en particulier dans les mouvements modernistes. J'ai vu cette conversation que j'avais entre mes propres pairs et qui était très d'actualité en ce moment, et j'ai trouvé de nouvelles façons d'insérer le design dans ces conversations.

Une chaise d'observation des étoiles sculptée à la main, fabriquée par le peuple Lobi dans la première moitié du 20e siècle, est présentée dans la dernière exposition de TRNK NYC "Provenance"

J'avais des questions sur Prouvé parce que, tout d'abord, il est fascinant de fouiller dans ces histoires de design non européennes qui ont eu un impact si énorme sur le mouvement moderniste. Avez-vous des exemples historiques intéressants de contributions au design de sociétés noires et indigènes qui ont été négligées mais qui ont eu une influence massive?

Je pense que le plus évident est le rôle que les œuvres africaines ont joué aux modernistes du XXe siècle comme Picasso. Et la réalité du fait que ces idées n'ont vraiment été validées par le monde occidental qu'à travers le prisme de Picasso et des goûts de ses pairs. Les œuvres ont été littéralement jetées aux prêteurs sur gages et aux antiquaires et traitées comme des artefacts sans valeur jusqu'à ce que ce mouvement d'artistes du XXe siècle en Europe lui accorde cette nouvelle validation. Et, vous savez, ce n'est pas un processus inhabituel; c'est bien la règle plutôt que l'exception.

Il s'agit donc de réaliser comment les concepts sont toujours validés avec les mêmes mécanismes, mais aussi à qui attribue la provenance de ces idées. Je ne pense pas que grand-chose ait changé depuis l'époque de Picasso. C'est un exemple que la plupart des gens peuvent utiliser une fois que vous avez pris du recul et que vous l'avez vraiment analysé. Cela semble évident, mais nous sommes tellement habitués au fonctionnement de ces systèmes que nous l'acceptons implicitement.

Oui, nous sommes encore très endoctrinés dans cette perspective. Par exemple, nous n'avons remis en question que très récemment l'acceptation générale par les designers du modernisme et du minimalisme de style suisse comme étant la seule forme de design «correcte», et nous accordons tout le crédit aux Européens derrière ces mouvements.

Même pour nous, Prouvé n'était même pas exhaustif à distance. Vous pouvez également analyser les mêmes façons dont les Japonais ont été extrêmement influents sur le minimalisme et le modernisme, mais sans avoir obtenu la même reconnaissance.

Un autre phénomène relativement nouveau est notre volonté même de remettre en question l'histoire. Nous acceptons presque simplement quelque chose que nous avons lu dans les livres d'histoire comme étant la vérité, même si souvent il y a un agenda très biaisé dans la façon dont l'histoire est écrite. Et donc nous entrons maintenant dans un moment où nous interrogeons réellement ce que nous avons appris et réalisons qu'il y a deux côtés à chaque histoire – ou même plusieurs côtés chaque histoire. C'est donc aussi ce que les expositions doivent faire, c'est jeter un regard en arrière et vraiment remettre en question certaines des hypothèses que nous avons faites sur la base de ce qu'on nous a dit.

Dans notre culture collective, nous semblons vraiment inondés d'exemples de design qui correspondent et renforcent ce moule de conception moderniste euro-centrique. Je suis curieux de savoir comment vous vous êtes aidé à vous éloigner un peu de la conscience collective, à vous informer et à apprécier les nouvelles perspectives de conception.

Surtout à l'ère des médias sociaux, il y a une impulsion à graviter vers ce que nous voyons le plus de manière répétitive. Vous voyez, dans le monde du design, les tendances deviennent si omniprésentes, puis elles se renforcent lorsque vous les voyez 10 fois chaque jour. Il est donc naturel de supposer presque que ce que vous voyez est bon ou précieux en se basant sur l'opinion populaire sur la pandémie qui l'entoure.

Vous devez simplement être prêt à prendre du recul, à critiquer et à remettre en question, et à rechercher les modèles dans de nombreuses hypothèses. Et vous savez, beaucoup de ces exercices de progrès et de changement ne sont pas vraiment passifs; cela vous oblige à critiquer activement et à identifier activement vos propres omissions.

Une partie de mon processus individuel repose vraiment sur l'intuition, en considérant les choses auxquelles je réponds émotionnellement ou vers lesquelles je gravite. J'y pense souvent également dans le processus de conception spatiale, sans trop réfléchir à la façon dont quelque chose d'apparemment disparate s'intégrera dans mon espace de vie. En me souvenant que je vois de la valeur dans cet objet ou ce design individuel et que je veux le regarder tous les jours, je vais donc en faire une partie de mon expérience quotidienne même s'il semble déconnecté au début. C'est un peu comme ça que je gère ces décisions.

C'est un excellent point, cela témoigne de l'idée que nous vivons tous selon ces règles de style silencieux que nous avons peut-être absorbées par l'étude ou l'observation. En prenant conscience de cela, vous vous rappelez que vous pouvez enfreindre ces règles et créer les vôtres.

Exactement. Un autre exemple que vous voyez, à l'inverse, popularisé est celui des masques africains dans le décor. Et vous voyez souvent cela, même associé au genre d'œuvres de luxe françaises du milieu du siècle comme Prouve, c'est vraiment une esthétique. Mais je pense que l'une de nos obligations aussi est que nous voulons mieux essayer de comprendre ce travail si nous y répondons émotionnellement et que nous aimons son apparence dans notre espace. Peut-être prendre le temps de mieux comprendre ce travail individuel et de le contextualiser plutôt que de le traiter comme une simple décoration.

Une vue de l'exposition entièrement virtuelle, "Provenanced"

Je pense qu'il y a une petite obligation, en particulier les gens de l'industrie du design, de franchir cette étape supplémentaire. Parce que je pense que ne pas le faire comporte également certains risques. Et c'est quelque chose que nous avons définitivement appris, c'était l'un des points à retenir Prouvé c'est que si ces histoires ne sont pas conservées, elles sont perdues à jamais. C'est l'un des défis actuels pour essayer de recontextualiser certaines de ces œuvres d'Afrique de l'Ouest. Au fil des ans, la lignée a été perdue, en particulier pour les œuvres qui ont été à l'origine pillées. Mais vous pouvez même voir comment cette même attitude s'applique encore à bien des égards maintenant. Je pense donc qu'avoir ces conversations, se rappeler mutuellement ces impulsions et se demander ce que cela signifie réellement de prendre ces mesures supplémentaires sont les premiers moyens de se réengager.

À votre avis, où pensez-vous que l'industrie du meuble va mal en termes d'accès et d'adoption des designers noirs et bruns? Je pense qu'il est prudent de dire que la conception de meubles est probablement l'un des domaines de conception les plus privilégiés, et que c'est donc un domaine de la conception avec beaucoup de portails encore intacts. Comment pensez-vous que nous créons ces nouveaux pipelines pour accueillir des perspectives plus diversifiées dans l'industrie?

Je pense que le pipeline doit démarrer beaucoup plus tôt. La réalité est d'aller dans une école d'art ou un programme de design industriel est vraiment un privilège. L'élargissement de l'accès est donc essentiel à long terme. En attendant, des entreprises comme la mienne peuvent être bénéfiques de certaines manières en aidant à fournir certaines des ressources nécessaires pour mettre des idées sur le marché. C'est ça, les barrières à l'entrée sont souvent capitales, mais aussi avoir accès à un public via une institution avec une clientèle établie. Et il existe donc des moyens d'élargir cette visibilité et cette portée de diverses voix. Et dans certains cas, oui, cela pourrait nous obliger à prendre des mesures supplémentaires.

Dans notre exemple, une initiative que nous cherchons à entreprendre est que nous commençons à travailler avec des concepteurs non seulement sur le transport des produits existants, mais aussi sur le développement de produits et la production; donc plus comme un accord de licence. Cela élargit le vivier de talents avec lequel nous pouvons également travailler, car ils peuvent être quelqu'un de plus jeune, plus émergent avec des idées nouvelles, mais qui ne sait pas nécessairement comment amener une idée sur le marché. Il existe différentes façons uniques, en particulier de nos jours, d'élargir le champ des talents avec lesquels nous travaillons.

Vous dirigez cette année l'équipe du jury du Mobilier et de l'éclairage du Core77 Design Award 2021. Que recherchez-vous dans les entrées que vous passez en revue et qu'est-ce qui vous exciterait de voir dans la sélection de projets?

Pour moi, un récit est toujours intéressant. J'adore en savoir plus sur le contexte et les sources d'inspiration, comment les œuvres se connectent aux expériences ou aux souvenirs passés les rend d'autant plus intéressantes. Ce qui me fascine aussi, c'est la matérialité. De nos jours, il y a toujours de nouveaux matériaux qui se développent, mais il existe également de nouvelles approches et tactiques pour manipuler les vieux matériaux. Je suis donc toujours fasciné de voir comment les nouveaux designers réinterprètent ou réinventent ces matériaux.



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